En 1769, l'Endeavour de Cook jette l'ancre à Tahiti. Les marins y assistent à l'étrange cérémonie du «tatau» qui consiste à décorer le corps de marques bleutées en injectant de l'encre sous la peau. Envoûtés, ils succombent à leur tour à la coutume locale. À leur retour, ils décrivent avec enthousiasme et nostalgie cette vie paradisiaque : l'attrait pour le tatouage est né, définitivement accolé à l'exotisme et à l'érotisme. Bientôt, le phénomène se propage et on assiste à une véritable rage du tatouage : les exhibitions de marins tatoués obtiennent un immense succès, la classe ouvrière se laisse séduire. Dans les villes portuaires s'ouvrent les premiers studios et la folie du tatouage gagne l'Amérique, envahissant le port de New-York avant de se propager à la côté Ouest. Des spécialistes de ce nouvel art imposent leur nom et leur style. À travers plus de cent vingt photographies de marins américains, ce beau livre nous présente l'histoire de cette pratique, décryptant les différents motifs et dessins des tatoués avec une série d'illustrations originales, mêlant esthétique du portrait photo et archives uniques.
Le capverdien est la langue maternelle de plus d'un million de personnes, vivant en République du Cap-Vert ou originaires de ce pays. Le créole capverdien tire une grande partie de sa substance du portugais, mais il contient de nombreux mots et structures grammaticales issues de diverses langues africaines. Ce livre fait le point sur l'importance de cet élément africain présent dans la langue capverdienne.
Avec près d'un Français tatoué sur dix, le tatouage est devenu un véritable phénomène de société. En moins de 20 ans le nombre de studios de tatouages est passé d'un trentaine dans les années 1990 à près de 1500 aujourd'hui. Symboliques ou purement esthétiques, tout à la fois ostensibles et profondément personnels, les dessins sur la peau révèlent le rapport singulier du tatoué à son tatouage. À travers l'oeil de dix photographes, 40 personnalités, de générations différentes et du monde entier, se racontent et témoignent de leur relation à cet art si particulier, cette peinture sur le vivant. Le livre nous laisse effleurer la peau de ces personnalités, toutes plus originales et différentes les unes que les autres (mannequin aux tatouages subtils, vrai dur à cuire recouvert des pieds à la tête, petite punkette rebelle ou cinquantenaire assumé), et nous fait voyager de Paris à Buenos Aires, des quartiers populaires de Bruxelles aux rues d'Osaka, en passant par les marchés de Camden à Londres. Leurs pièces et les mots qui accompagnent ces portraits sont autant d'éléments de réponse apportés à la question que beaucoup peuvent se poser : "Pourquoi le tatouage ?".
Los 12 textos que componen este libro abordan en cine como tecnología de género. Postulan que el cine que hacen algunas mujeres en América latina desde los años 70 - a pesar de su marginación por la industria del cine y el campo cultural -, replantea los modos y límites de lo pensado, de lo impensado y de lo pensable. Las autoras valoran aquí las obras de cineastas que intervienen en el campo cultural para alterar el orden desigual, denunciar todas las formas de violencia y crear alianzas entre las identidades híbridas y plurales.
Le troisième numéro de la revue annuelle qui s'attache à valoriser les savoir-faire et la technique dans le design, l'artisanat ou l'industrie, consacré au pliage.
On plie. Tous les jours, on plie. On plie du bois, du linge, du métal, du carton, de la terre, on plie même nos jambes, nos bras. Le pli s'immisce au creux de la peau, dans le coin des yeux, dans les mouvements de la terre... Les plis de l'eau... Le pli est partout.
Dans les métiers aussi, le pli est à l'origine de nombreux gestes techniques : cintrer, plisser, tordre, former, ployer, etc. Éventails, parachutes, tentes, serviettes, chaises... les objets se plient et se replient. Tout le temps.
Donc, on plie. Mais pour quoi faire ? C'est ce qu'on a tenté de comprendre avec ce troisième numéro du magazine Tools.
Un zingueur plie le métal avec sa plieuse portative. Une plisseuse plisse le carton avec ses doigts de fée. Un serveur de bistrot plie chaque jour les serviettes en tissu en attendant le rush du service. Un designer dessine les plis qui éviteront des assemblages trop complexes. Un ingénieur calcule le poids et la portée des armatures de la tente afin qu'elle puisse se déployer d'un seul geste. Une couturière plisse d'un geste précis le tombé d'une jupe de lit. Un légionnaire apprend à repasser et plisser sa chemise. Un militaire plie de la tôle pour construire à la hâte une caserne préfabriquée.
Parfois, plier c'est une question de vie ou de mort. Prenez l'exemple d'un parachute replié. Au prochain saut, il risque fort de ne pas se déplier correctement - et alors, on vous laisse imaginer la suite...
Au fur et à mesure de la construction de ce numéro 3, on s'est donc rendu compte que plier, parfois veut dire cadrer : prendre le pli, rentrer dans le cadre... On dit bien « se plier aux règles ». C'est peut-être le numéro de Tools où le lecteur ou la lectrice rencontrera le plus de militaires ! En effet, l'invention de nouveaux matériaux pliés, cintrés ou ondulés ont parfois appuyé des logiques de camps temporaires, d'infrastructures d'urgences.
On trouvera dans ce numéro aussi des vies nomades, des plis effectués dans l'urgence, comme lorsqu'on déploie une tente dans la rue, dans un contexte précaire. Plier, déplier, c'est alors une façon de se protéger, de chercher un abri.
On aura un aperçu des couches de temps immenses qui se faufilent dans chacun de nos plis : les gestes du pliage accompagnent l'Humanité depuis bien longtemps, depuis les premiers outils et les premières toges. Le pli fait partie, par exemple sous la forme des drapés, de notre histoire culturelle commune. Au temps de la modernité et de l'industrie, le pli est devenu le moyen de concilier des vies de plus en plus urbaines et sédentaires avec le désir du mouvement, comme une sorte de pont entre le passé et le présent. Le pli fait gagner de la place dans les appartements de ville, fait entrer de nouveaux objets dans des espaces de plus en plus petits. Comme si on était des escargots avec notre maison sur le dos, comme si on allait tout emporter, bientôt, sur le toit de la voiture.
D'une certaine manière, on peut dire que le pli se trouve à la frontière entre deux forces contraires : celle de l'ordre et celle du désordre. Au milieu, on trouve une sorte d'équilibre plus ou moins précaire : tant qu'on plie, on ne rompt pas.
Donc on plie, oui, mais parfois, on ne plie plus. Parce qu'on n'y arrive plus, ou tout simplement parce qu'on n'en a plus envie. Dans ce numéro, il y a aussi des gens qui froissent, comme cette adolescente qui se sent bien dans son désordre.
On espère donc que les lecteurs et les lectrices s'émerveilleront comme nous des immenses possibilités du pli pour construire des mondes ; mais aussi qu'il percevront que le pli, l'ordre, la mesure, il faut savoir les dépasser. Et si même Marie Kondo, la papesse de l'ordre, a arrêté de plier ses chaussettes, c'est bien que tout le monde a aussi parfois le droit de lâcher prise...
Un parcours de l'oeuvre peinte de l'artiste, philosophe, psychanalyste et théoricienne féministe israélienne Bracha L. Ettinger, à travers un ensemble de reproductions et de textes de Jean-François Lyotard, Nicolas Bourriaud, Noam Segal, Amelia Jones, Precious Okoyomon et de l'artiste elle-même.
Bracha L. Ettinger, née en 1948, travaille aux avant-postes de la peinture contemporaine. Comme beaucoup d'autres femmes artistes, la radicalité de son travail commence à peine à être reconnue. Ettinger a formulé la théorie matricielle de l'origine à la fois comme modèle thérapeutique et comme philosophie. L'espace matrixiel se déploie également dans son travail artistique.
Pour la première exposition personnelle de Bracha L. Ettinger à Paris depuis 22 ans, Radicants publie un ensemble de textes essentiels autour de son travail, incluant deux textes de Jean-François Lyotard, un écrit de Noam Segal (commissaire de l'exposition), un texte d'Amelia Jones, et enfin le plus récent un projet d'écriture à quatre mains de Precious Okoyomon et Bracha L. Ettinger elle-même.
« L'oeuvre de Bracha Lichtenberg Ettinger est un travail d'anamnèse, guidé par la présence de la Shoah. Cette présence, comme de la Chose, ne demande rien, elle se fait oublier : déjà par le code secret dont la forclôt l'administration SS de la Endlsung, mais encore sous le nom bénin d'Holocauste, sous les pardons cérémonieux des chefs d'État et d'Église, et encore sous les mémoriaux autant de modes de l'oubli. »
Jean-François Lyotard.
L'atelier d'artiste connaît depuis quelques années un regain d'intérêt comme objet d'étude académique ou muséal. Espace hétérogène et complexe, il est à la fois un lieu de savoir et d'expérimentation ; le territoire d'une pratique généralement dérobée au regard d'autrui ; un foyer de sociabilité ; un espace fréquenté par les collectionneurs, galeristes, critiques, commissaires et directeurs d'institutions muséales ; un espace de stockage et de transit pour la pièce qui y est oeuvrée et prélevée ; et, enfin, un motif spécifique dans l'histoire de l'art (à travers ses mises en abyme dans l'oeuvre d'art et ses captations photographiques ou filmiques).
Tout lieu qu'un artiste investit par une somme de gestes et une production - de quelque nature que ce soit - devient atelier, que celui-ci soit nomade ou ancré, éphémère ou durable, unitaire ou multipolaire.
De Zurbarán à Orozco, en passant par Picasso, Miró, Tàpies, Cruz-Diez et tant d'autres, d'Espagne et d'Amérique latine, le livre propose, à travers des études de cas, de saisir l'atelier sous ses différentes formules dans l'art moderne et l'art contemporain.
JF Lyotard argued that what makes history is less the complex of events occurred in time and in space then the new 'reality' reinstated by those who narrate the facts. Following the fall of the communist regime in Bulgaria this book explores a three-way relationship: between Bulgarian museums, communism in its Bulgarian variation and Bulgarian society. The link between the past, the present and the future of both museums and society is established by examining visitors' approach towards museums and the way history was and is represented in them by those who narrated the facts.
Transmis par-delà les siècles, le patrimoine des pays de la Méditerranée est le reflet direct de l'histoire des sociétés, une histoire exceptionnellement riche dans bien des domaines. Sites archéologiques et monuments, paysages ruraux et urbains, bâti vernaculaire, traditions et savoir-faire témoignent des multiples facettes de ce passé et des relations entre des peuples de cultures et de croyances très différentes, mais ayant tous en commun - et en partage - les rivages d'une même mer, celle « qui est au milieu » de la terre.
En Méditerranée, impossible d'ignorer l'autre ! De cette situation sont nés des conflits souvent durables et violents mais aussi des échanges et des liens profonds qui ont façonné les cultures méditerranéennes.
Aujourd'hui, ce patrimoine ne se résume pas aux monuments historiques ou aux pièces de musée : les rues, les places des villes ou des villages, les paysages, les traditions orales, l'artisanat, manifestent en permanence l'héritage de ce patrimoine et rappellent à quel point il est toujours présent, vivant et perceptible. Et il y a mille façons de le voir ou de le vivre.
En témoigne cet ouvrage : nourri de nombreuses contributions de photographes amateurs et professionnels du Bassin méditerranéen, Regards croisés - Patrimoine vivant en Méditerranée donne à voir, sous différents angles, la chatoyante diversité de cet héritage, tout en nous questionnant sur sa fragilité et sa place dans la société contemporaine.
L'éthique appliquée à Internet est un exemple des avantages et des inconvénients de l'information online, permettant d'une part un dialogue international, l'accès à l'information et le partage des bonnes pratiques ; alors que d'autre part, cette forme de délibération nécessite quelques références normatives et a besoin d'un certain niveau de gouvernance. (Articles en français, anglais, espagnol).
Avec pour seuls outils un cahier Clairefontaine et des crayons de couleur, l'architecte colombien Simon Vélez décline des structures complexes en bambou guadua («guadua angustifolia»), espèce endémique des vallées colombiennes.
Le travail de Simon Vélez, fils d'architecte, est largement déterminé par les conditions du climat tropical - équivalence immuable du jour et de la nuit, absence de saisons, luxuriance et diversité phénoménales de la végétation, y compris dans les altitudes élevées au climat frais. Chez lui, comme pour les Colombiens, la botanique est une sorte de seconde nature, qu'il manie magistralement dans son travail.
En étroite collaboration avec l'ingénieur-constructeur Marcello Villegas, il a imaginé une série d'assemblages de tiges de bambou et développé un savoir-faire à la fois très spécifique et d'une grande précision. Sa mise en oeuvre est exigeante, mais d'un niveau technique suffisamment simple pour qu'il puisse l'appliquer dans des conditions de chantiers forains ne disposant que d'un outillage assez simple. L'optimisation de cette technologie est à la base de l'organisation de ses chantiers, où il opère à l'aide d'une importante main-d'oeuvre qualifiée.
Avec cette monographie illustrée par des photographies de Deidi von Schaewen, Pierre Frey nous offre l'un des rares ouvrages sur ce créateur. Tout au long de ce portrait, textes et images nous font découvrir un panorama des édifices et des méthodes de construction de l'architecte colombien, relevant d'une architecture vernaculaire que l'auteur considère comme un "symptôme de l'état du monde et des sociétés qui le peuplent".
Le pragmatisme développé par Simon Vélez pour ses constructions en bambou guadua est typique de toute sa démarche. Il agit de manière analogue, qu'il travaille le béton, d'autres espèces de bois ou l'acier. Il se défend d'ailleurs énergiquement d'être un «bambousero» et s'entend à merveille à distinguer les matériaux en leur assignant les fonctions les plus spécifiquement conformes à leurs performances. Il a ainsi su persuader ses clients les plus fortunés de se faire bâtir des résidences luxueuses, édifiées dans le matériau utilisé par les simples paysans ! Il a également réussi à convaincre maintes grandes administrations publiques, municipalités ou entreprises soucieuses de leur empreinte environnementale d'adopter le bambou guadua et d'assumer l'image qui lui est liée.
Ce recueil d'articles dévoile les liens tissés au cours des siècles entre la France et Cuba qu'ils soient historiques, politiques, économiques ou artistiques. L'influence de la Révolution française sur les idéaux indépendantistes américains, celle du Romantisme français sur la littérature et les arts plastiques cubains ou encore les échanges entre les artistes cubains et les avant-gardes parisiennes du XXe siècle sont autant de thèmes abordés pour illustrer ces riches échanges. (Des articles en français ou en espagnol).
Nombre d'auteurs, parmi les plus connus, ont évoqué la geste Garibaldienne. Certains y ont vu une "vie opéra" et pourtant, les seules musiques qui accompagnent son nom sont guerrières. Sans doute était-il difficile d'écrire un opéra sur José Garibaldi, dont la complexe vie échappe au schéma classique de l'opéra. Pour la raconter, le texte s'inspire d'une vision personnelle des auteurs. Dépassant l'évènement, le récit glorieux, le panégyrique ou la critique, l'accent est mis sur l'homme et ses contradictions.
Révélés au lectorat français par Pierre Bourdieu, les travaux de Richard Shusterman comptent parmi les plus importants de l'époque contemporaine. Convaincu par les capacités cognitives du corps, Shusterman invite à repenser l'expérience esthétique pour sortir d'une « conception muséale de l'art ». Pour ce faire, le philosophe américain a développé une philosophie singulière, la « somaesthétique », qu'il définit comme une étude méliorative et critique de notre expérience et de notre usage du corps vivant. Sa philosophie est donc à la fois théorique et pratique, un geste et une pensée, comme l'atteste le présent livre, issu d'une collaboration avec l'artiste Yann Toma.
L'Homme en Or, c'est d'abord une performance artistique et philosophique. Le récit fictif de ses aventures compose un petit conte philosophique qui illustre la somaesthétique.
Idir est né 1949 en Kabylie aux Aït Lahcène (At Leêsen), dans l'Arch des Aït Yenni (At Yenni). Fils de paysans, il a fait ses premières classes à l'école des jésuites que les Kabyles considéraient comme la meilleure de toutes. Alors qu'il faisait ses études à Alger, il remplace au pied levé une vedette sur Radio Alger. Il interpréte alors une berceuse, aux moult versions, fort connue des mères kabyles, Ers-ed ay ives. L'auteur souhaitait présenter Idir à tous ceux qui l'ont découvert à travers sa musique et ses chants et qui ignorent peut-être tout ou presque de son peuple, de sa langue et de sa culture.
The first International Symposium on glass degradation in atmospheric conditions took place at the Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France (C2RMF) in Paris from November 15 to 17, 2017. Organized by the group of researchers, from the C2RMF and the Institut de Recherche de Chimie Paris, working on glass (UMR CNRS 8247), this symposium aimed to advance the knowledge of the complex physicochemical processes involved in the glass alteration in a humid atmosphere. Indeed, although the deterioration of glass in liquid phase has been the subject of numerous research for decades, that of glass in the atmosphere is much less studied.
During this symposium, scientists, curators and conservators of the Cultural Heritage tackled two major themes: the study of the mechanisms of the glass alteration in the atmosphere and the conservation of these altered glasses. These exchanges made it possible to give an overview of the general situation in this area, to draw the lines of research for the future of the conservation and the restoration of the glass works of the patrimony, and to open perspectives of collaboration between the different institutions present at this event.
The dissemination of knowledge to scientists, curators and conservators concerned by this subject continues through the present publication of the proceedings of the conference.
Cet hiver, la revue ESPACE art actuel propose un dossier dirigé par Marie-Pier Boucher, présentant des textes couvrant des pratiques artistiques visant à revoir l'imaginaire spatial sous l'angle féministe. Jessica Ragazzini se penche sur le travail d'Iris van Herpen, créatrice de mode et artiste néerlandaise dont les oeuvres se teintent de préoccupations entre autres écologiques. Lexington Davis, Michael DiRisio et Evan Moritz abordent, dans leur texte respectif, des artistes aux démarches et styles divers, mais qui tous à leur façon critiquent l'impérialisme et le colonialisme de l'exploration spatiale. Le numéro comprend aussi un texte sur le projet du Museo dell'Altro e dell'Altrove di Metropoliz - le Musée de l'autre et de l'ailleurs par Fiona Annis et deux courts entretiens, l'un avec Michelle S. A. McGeough à propos de la cosmologie autochtone et l'autre avec Agnes Meyer-Brandis qui porte, entre autres, sur son projet Cloud Core Scanner (2007).
Ayant pour thème « Bâtir », le dossier du no 136 de la revue ESPACE art actuel s'intéresse au devenir de l'architecture comme déploiement de l'habitation du vivant humain au sein de nos agglomérations urbaines.
Les textes de ce dossier interroge en quoi l'architecture, comme création d'espaces d'habitation, nécessite toujours une collaboration impliquant plusieurs intervenants dont, si possible, les usager·ère·s. À l'heure de la construction de complexes d'habitation dans un contexte de crise du logement, de l'étalement urbain, des personnes sans-abris, de l'impact des changements climatiques sur notre façon d'occuper le territoire, de la nécessité de préserver le patrimoine bâti, mais aussi d'une cohabitation parfois difficile entre les voitures et les piétons, en quoi l'architecture, et plus spécifiquement l'aménagement urbain, peuvent-ils contribuer à la mise en oeuvre d'un espace vital qui influe positivement sur notre manière d'exister ?
Ecorchée vive
"Mais à quoi pense-t'elle ?" est la question que Suzy Krueger se posa la première fois qu'elle vit une performance de Shibari, l'art traditionel japonais des cordes qui repousse les limites de l'érotisme, à Tokyo. Fascinée par les corps et les expressions des modèles, elle décida de se mettre à leur place en acceptant de se faire attacher à plusieurs reprises, afin de répondre à cette interrogation. Ecorchée Vive regroupe plusieurs textes et illustrations exposant ce qu'il se passe dans l'esprit des modèles une fois que les cordes sont attachées et que le temps s'arrête.
A Tormented Soul
"What is she thinking about ?" is the question Suzy Krueger asked herself the first time she saw a Shibari performance, a traditional Japanese rope art that pushes the limits of eroticism, in Tokyo. Fascinated by the models' bodies and expressions, she decided to put herself at their place by getting tied up several times herself in order to find the answer. Ecorchée Vive is a collection of texts and illustrations about what happens in a model's mind once the ropes are tied together and time stops.
L'IA est une technologie redoutée et redoutable ; quoi qu'il en soit, son arrivée bouleverse le statut de l'image photographique. Ce livre part d'une réflexion artistique sur la création documentaire à l'ère de l'IA, et interroge également la manière dont les écrans, la photographie d'écran et l'écran photographique convoquent une autre esthétique à part entière.
The arrival of AI is a dreaded and formidable confrontation, but in any case, it overturns the status of the photographic image. This book starts from an artistic reflection on documentary creation in the age of AI, and also questions the way in which screens, screen photography and the photographic screen constitute an aesthetic in their own right.
Historically, as bearer and mixer of ancient African and European musical traditions, the banjo is an important musical instrument. A Five-String Banjo Sourcebook will stand beside Banjo Attitudes (Paris, L'Harmattan, 2015), its companion book. Since its importation to the US by African Slaves and the inception of an "American version" by Euro-American musicians during the 19th century, the five-string banjo became « America's instrument » ; and if its controversial history covers all the aspects of the American musical life, it also reflects its social and political context. Anyone interested in playing the banjo, or involved in doing historical or musical research on the instrument, will be confronted by the huge amount of documentation published on the subject. The numerous references listed in A Five-String Banjo Sourcebook, try to cover all facets of the instrument, from the banjo manufacturers and workshops to the stage... We hope that these pages will help the users of this compilation to understand all the subtilties of a fascinating musical instrument.
This book, aimed at Engineers, Architects, Building Technicians, and Students, offers a crucial insight into bioclimatic building construction in Tropical Africa. It addresses the common oversight of climatic characteristics in building design, emphasizing the need to consider weather conditions, especially in warm periods. The book analyzes current housing, compares it with vernacular and colonial models, and proposes bioclimatic designs using passive architectural techniques.
A key model involves a mathematical analysis of complex admittances, considering local materials like hollow blocks, BTCS, terracotta bricks, laterite stones, granite rubble, and vibrated mortar tiles. Combined with passive techniques, this forms a bioclimatic building model tailored to dry tropical climates.
The author, in accessible language, advocates for promoting locally available materials as alternatives to conventional ones, anticipating potential shortages in building aggregates in tropical African countries.
Ern"o Dohnányi (1877-1960) was one of the most influential musicians of 20th century Hungarian music history. As the chairman-conductor he led the Philharmonic Orchestra for a quarter of a century from 1919; he was the director of the Academy of Music twice - in 1919 and in 1934-1943; from 1931 he was also the head of the music department of the Hungarian Radio. His positions required him to perform diverse social functions, including his role as a member of the Upper House of the Hungarian Parliament. First and foremost, however, he was one of the greatest pianists and outstanding composers of his age. Research into his oeuvre gained new momentum in the 1990s thanks to, among others, the author of the present volume, who already became a devoted researcher of the Dohnányi oeuvre when she was still a student of musicology at the Academy of Music in Budapest.
Table des matières
A small page of history and geography
The Dogons
Yendouma
The plateau
The toguna
Hamadou Témé's family
Ramata, Abiba and Oumou
Women and business
Yendouma market
The rhythm of the seasons
The girl's jobs
The boy's jobs
Water
Wood
The houses
Dogon ladders
Millet granaries
Millet
Zebus and goatss
Onions
Animism
Sculpture
The fennec fox divining table
Religion
School
In the classroom
The lack of financial support
Girl's games
Boy's games
The game of awalé
The blacksmith
The weaver
Cooking
Boiled millet and millet cake
Meals
Dusk in Yendouma
Acknowledgements
Glossary
The Republic of Mali
